La compañía La Canija Teatro presenta: “DELIRIUM PREMENS” - En defensa de la histeria -

Este espectáculo de cabaret habla de la salud menstrual y de la salud mental como dos elementos presentes en la vida de mujeres adultas contemporáneas, con música en vivo que se compone de cuadros satíricos que cuentan la historia de una mujer... de muchas mujeres. En un ambiente oscuro y autocompasivo, una mujer delira sobre su vida y las vidas que su falta de salud mental le impidió vivir, por las decisiones que ha debido tomar a partir de todo lo que ella es y lo que padece. La música acompaña sus estados emocionales y mentales extremos, los potencia y abraza.

En “DELIRIUM PREMENS”, bajo la producción de La Canija Teatro; una sola actriz interpreta distintos personajes que sólo se distinguen entre sí por elementos de vestuario o utilería muy simples, y por el manejo corporal y vocal de cada uno de ellos. En sus voces, descubrimos los miedos, los prejuicios y los absurdos que implica ser una persona menstruante y neurodivergente, en un mundo disque neurotípico.

Al presenciarla, las mujeres se sentirán identificadas desde los rincones más absurdos de su ser; sentirán que alguien las ha espiado en sus momentos más íntimos, casi secretos y lo ha puesto sobre un escenario. La autora y actriz del espectáculo nos cuenta de dónde surgió la idea:

“Todo comenzó con un cólico menstrual intenso, de esos que te tumban en la cama y no te dejan pensar con demasiada claridad. Quizás los hombres no lo entiendan y muchas mujeres no lo hayan vivido, pero cuando el dolor es tan profundo, no queda nada más que la autoconmiseración. En medio de todo eso, lo primero que llegó, fue el título. Después, vinieron muchas imágenes de mujeres que la pasaban tan, pero tan mal, que no quedaba más que reírse de ellas. Dije mujeres, pero podría ser yo o tú”.

El texto y la actuación es de Julia Arnaut, actriz y cabaretera que tiene la terquedad de pensar que puede cambiar su mundo haciendo su trabajo allá donde nadie la llama. La música original está a cargo de Claudia Arellano, cantante y compositora que a sus treinta añitos de edad, ya recorrió escenarios internacionales gracias a sus composiciones teatrales. “El equipo de La Canija Teatro está conformado por mujeres porque creemos que ya nos toca darnos chamba entre nosotras”.

Ven a reír con el humor mordaz para mujeres patéticas con el que este espectáculo defiende la miseria y la histeria. Las funciones de “DELIRIUM PREMENS” se llevarán a cabo los jueves 21 y 28 de marzo, a las 21:30 hr, en el teatro bar El Vicio (Madrid 13, Colonia Del Carmen, Coyoacán) el espacio disidente, independiente, diverso, irreverente y plural. Adquiere ya tus boletos para la función, en la fecha de tu preferencia, en: http://nueprodeliriumpremensmar.boletopolis.com/ (250 pesos entrada general); o reserva tus lugares en el WhatsApp de El Vicio: 5537533529 y recíbelos en la taquilla del teatro.

¡La experiencia del cabaret se vive en El Vicio!

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Nyotaimori: entre lo fantástico, humor ácido y crítica social

Nyotaimori es una comedia de humor ácido. Una crítica lúcida y mordaz sobre la explotación del trabajo y la falta de límites entre nuestra vida personal y profesional, donde los personajes viven en simultaneo, en sus universos personales y viajan a través de pantallas de celulares, cajuelas de coches y puertas amarillas, tratando de escapar del sistema que los oprime huyendo de la agobiante presión de elegir, producir y tener visibilidad y en busca de su libertad que tal vez sea no hacer nada.

entrepalabrasMX tuvo la oportunidad de charlar con Anilú Pardo, directora de la obra de teatro Nyotaimori y esto fue lo que nos contó…

 1.    entrepalabrasMX: ¿De qué trata la obra, y por qué se titula así?

Anilú Pardo: La escritora es una dramaturga que me parece muy actual, muy brillante, con una capacidad de conectar cosas muy particulares decide llamarla asi porque nos plantea un panorama que parecería una explotación femenina, Nyotaimori es un sushi al desnudo que son mujeres que fungen como mesas, el objeto donde se colocan ciertos sushis para que hombres de muy alto rango degusten. Es una forma de comer sushi muy caro, pero también existen la versión masculina, lo cual me entere al conocer la obra.

Con esto da la excusa perfecta para preguntarte ¿si los oficios que estamos ejecutando hoy en día hombres y mujeres, pero sobre todo mujeres son realmente espacios de libertad y expresión, dándonos este sentido de ser dueños de nuestra vida? La pregunta va porque pareciera que todos nos auto explotamos o somos sujetos a un tipo de explotación. Esto va igual para los que trabajan como freelances, nunca descansan, no decimos que no a un trabajo, a pesar de que nunca alcanza el tiempo, nunca alcanza el dinero, esperamos con anhelo hacer lo que en verdad queremos.

En cuanto a la obra, no se asusten no van a encontrar a mujeres desnudas con sushi encima, pero invita a la reflexión, porque lo que uno hace siendo feminista actual, dirías son unos objetos, están siendo utilizadas, -y no digo que no sea asi- digo que no siendo utilizadas somos más sujetos a explotación. Es una obra ligera con un discurso muy llevadero.

 2.    entrepalabrasMX: ¿Cómo fue el proceso creativo de los personajes?

Anilú Pardo: Aleyda Gallardo -quien es una de las actrices de la obra y hace varios personajes- fue quien encontró el texto e hizo una lectura de la traducción y le fascinó, de ahí vino la propuesta, sumamos esfuerzos y ella ya tenia el espacio en Circulo Teatral.

De Margarita Lozano yo conocía su trabajo, aunque no tenia un acertamiento muy puntual con ella, Aleyda ya la conocía y la propuso para que estuviera en la obra, al tiempo de conocerla, me di cuenta de que es una actriz muy creativa, comprometida, llena de verdad, cumpliendo con los tiempos de la obra y entregando todo su profesionalismo en el escenario.

Rolando Breme llegó al proyecto por medio de audición y es un actor con una capacidad física, mental, creativa y que hizo un clic con todo el equipo y verlo en el escenario nos contagia de su excelente trabajo y estoy muy agradecida con todos los que están involucrados en el proyecto.

Jesús Hernández es el responsable en el diseño de escenografía e iluminación, Lisette Barrios quien se encarga en el diseño de vestuario, Gustavo Beltrán es el responsable de toda la música y que toca en vivo en ciertos momentos de la obra y la parte multimedia está a cargo de Mario Mandujano.

3.    entrepalabrasMX: ¿Cómo percibes los cambios que han venido sucediendo en el tema laboral: antes del COVID y posterior a?

Anilú Pardo: En mi quehacer como directora y del cual hago también casting nos dio la posibilidad para gente que no esta en el mismo lugar, hoy tengo la posibilidad de ver actores en España que logramos coincidir y verlos a través de la pantalla, pero otro lado se ha perdido el contacto personal, siento que nos acostumbramos a estar en la pantalla las 24 horas del día, y nos está costando el valor de ver al otro, donde eso que te digo también se plantea en la obra, como el encontrarse frente a frente con el otro en carne viva esta siendo hoy el acto extraordinario.

En lugar de generar empatía por el otro, nos hemos vuelto poco tolerantes, esto que pensaríamos que la pandemia nos hizo entender en ponernos en los zapatos del otro, nos hizo mas bien estar ensimismados y dar esa sensación de no saber qué va a suceder mañana, entonces no me voy a privar de nada, al contrario, hacer las cosas que no haríamos en otras circunstancias.

En la parte labora, si te das cuenta hoy en día existen trabajos que son vía remota, ya no necesitas estar en el lugar físico, esto ayuda significativamente en cuestión por ejemplo de clima, costos, viví un tiempo en Nueva York y es lo que te digo, durante mi estancia, el frio y lo caro que es lugar, varios conocidos decidieron mejor irse a otro lado. Pero aquí es donde el contraste de trabajar en casa implica por ejemplo cuantas reuniones virtuales llegas a tener durante el día, apenas si da tiempo para comer, relajarse; ya no hablemos del contacto entre personas, buscamos tenerlo, cubrirlo todo al mismo tiempo y no queremos privarnos de nada porque sentimos que nos vamos a perder de algo, sabiendo que hay cosas que no lo son.

4.    entrepalabrasMX: Para quien va dirigida la obra, de qué habla. 

Anilú Pardo: La obra es una joya de multiversos en el lenguaje teatral, la escritora logra conectar todo lo que sucede en un mismo momento, la posibilidad de ver las mismas vidas, mientras tu y yo estamos aquí, hay otros dos que están en un hospital en este momento, esta sensación de que todas las vidas van corriendo y en algún momento se van a cruzar por algún motivo y que todos estamos conectados, es lo que se va logrando en la obra.

El personaje principal es una periodista, bloguera, escritora, es una persona que trabaja de freelance, y a partir de una investigación de los oficios del futuro se entera de un brasiere que están por lanzar al mercado, y a través de este objeto nos enfocamos en quien maquila el brasiere, quien le hace la publicidad, incluimos hasta un maquilador de autos, entonces aquí es donde el multiverso entra en las vidas de unos y otros y están entrelazados en el sistema capitalista sin creer que unas -vidas- valen más que otras en función de lo que realizan día a día.

5.    entrepalabrasMX: ¿Cuál crees que es el trabajo ideal?

Anilú Pardo: Es cualquiera que te permita estar en contacto con el arte y desarrollar de alguna manera una faceta artística, porque el arte si rescata; yo creo que el enfoque de lo que es un trabajo ideal es tener la capacidad de ser tocado de alguna manera por algo artístico -suena difícil- pero por ejemplo una maquiladora, donde las maquinas son el ruido constante, si fuera posible poner buenas piezas de música, haría que el momento laboral fuese menor árido.

6.    entrepalabrasMX: ¿Qué opinas de la Inteligencia Artificial y como ha cambiado nuestra interacción con el uso de las tecnologías?

Anilú Pardo: Las herramientas tecnológicas buscan facilitarnos la vida -en la mayoría de los casos- pero si la herramienta es para explotar al otro o para abandonar al otro es cuando esa parte me genera ciertos conflictos, por ejemplo mi acto de resistencia más consiente es cuando vamos al supermercado y vemos que existen cajas de auto cobro, aquí nosotros le estamos trabajando al dueño del supermercado, lo que significa que están despidiendo personas que necesitan realmente el trabajo, lo que cual se transforma en una crisis social.

La inteligencia artificial sirve para unas cosas, nos hace la vida más fácil, pero por el otro hay que cuidarnos, hay que saber hasta donde podemos permitir las actividades y que no nos afecte como sociedad que ha ido cambiando considerable.

7.    entrepalabrasMX: ¿Cómo ha sido la respuesta de la obra, el público se ha acercado a contarte experiencias de su vida laboral?

Anilú Pardo: Es para gente inquieta, que le gusta el buen humor, que le encanta pensar sin que sea aburrido, que le encanta en ponerse este reto de decir donde estoy metido, este es mi planeta, qué quiero yo de el planeta y qué le voy a aportar, sobre todo saber que, si voy a ver una obra de teatro, que la historia que me cuenten me deje un punto de reflexión.

8.    entrepalabrasMX: ¿Qué planes tienes para el siguiente año?

Anilú Pardo: Estoy cerrando la temporada de esta obra y buscando las opciones de abrir -otra temporada- buscando fechas para el siguiente año, aunque todavía no lo tenemos aterrizado, estoy trabajando en mi opera prima que es en cine, trabajando en unos guiones y ver qué resulta.

Podrán disfrutar esta puesta del 15 de octubre al 17 de diciembre en El Círculo Teatral (Veracruz 107 col. Condesa) a las 7 de la noche.

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Arranca el 10.º Encuentro Internacional de Clown con siete países invitados y con artistas nacionales

• El Centro Cultural Helénico recibirá a lo mejor del clown de España, Suiza, Francia, Austria, Argentina, Chile, Bélgica y México

La Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través del Centro Cultural Helénico, y en colaboración con la alcaldía Iztacalco de la Ciudad de México, anuncia la programación del 10.º Encuentro Internacional de Clown que, por medio de la risa y el tejido colectivo, busca compartir con el público esta disciplina, la cual es sumamente valiosa por su potencia escénica y filosófica. Esta verbena tendrá lugar en el Teatro Helénico del 20 al 26 de noviembre de 2023.

La décima edición de este encuentro, que se posiciona como uno de los más importantes en su tipo, contará con el talento de artistas provenientes de España, Suiza, Francia, Austria, Argentina, Chile, Bélgica y México, quienes brindarán espectáculos en torno a la rebeldía de ser quien realmente eres, la libertad, la muerte, lo sublime, lo ridículo, la amistad y el poder del movimiento.

Con el objetivo de crear espacios no solo de exhibición, sino también de formación y revalorización del clown, las y los invitados también comparten su experiencia mediante cuatro talleres enfocados en el malabarismo, las posibilidades creativas del fracaso, la comicidad y la ritualización de este arte.

Cabe destacar que dos de estos cursos —Juegos y trucos circenses, compartido por Malcolm Méndez y Valerio Vázquez, así como El clown aprende fracasando, guiado por Gustavo Franco— ya fueron impartidos en el marco del Programa Helénico en Iztacalco, al igual que la obra Slips inside, de la compañía belga OKI DOK, que se llevó a cabo de forma gratuita como parte de las celebraciones simultaneas de este encuentro y del 51 Festival Internacional Cervantino.

El resto de las presentaciones tendrán un costo de $260 pesos. Asimismo, a partir del 16 de noviembre de 2023, el Centro Cultural Helénico pondrá a disposición del público los siguientes descuentos:

• Clownbo familiar: cinco boletos por $900
• Combo clown: cuatro boletos por $720
• Clownbo pareja: dos personas por $310
• Estudiantes, maestros e INAPAM: 30% de descuento al mostrar una credencial vigente en la taquilla (aplica en la compra de un boleto).

Sobre esta celebración, la directora del Centro Cultural Helénico, Haydeé Boetto Bárcena, expresa: “Nos enorgullece ser el recinto en el que las y los artistas del clown se reúnen cada año para compartir sus creaciones, pero también sus saberes y pensamientos sobre otras maneras de observar el mundo. Eso es también lo que nos enseña el clown, a reconocernos en un espejo amoroso, a regresar nuestra mirada a la pureza de las infancias y a sonreír a pesar de las adversidades”.

A continuación, se presenta la programación escénica del 10.º Encuentro Internacional de Clown, que se llevará a cabo en tres sedes: El Centro Cultural Helénico, el Centro Cultural de las Artes de Iztacalco y, por primera vez, en la Casa Cuna Tlalpan del Sistema Nacional para el Desarrollo Integral de la Familia (DIF).

Vas a acabar de payaso (Varieté de inauguración: Teatro Helénico, 20 de noviembre, 20:00 horas • México). Es un varieté que reúne a diversas generaciones de payasas y payasos nacionales para ofrecer un mosaico festivo de la escena clown mexicana. El título del espectáculo es una frase que quizá todas las personas que conforman el elenco hayan escuchado. Ahora se reúnen para confirmar y celebrar que, en efecto, a eso llegaron, bajo la dirección de Chucho Lavadero, quien se ha caracterizado por formar generaciones de payasos y payasas en México.

Desprovisto con vuelo (Teatro Helénico: 21 de noviembre, 20:00 horas • Argentina y Chile). De la compañía Tallarín con Banana, esta obra ha viajado por países como Alemania, Austria, Bélgica, Croacia, Dinamarca, España, Francia, Luxemburgo, Suiza e Italia, recibiendo múltiples premios. El espectáculo muestra a una dupla payasa que expone sus mejores piruetas y algunos de los enfrentamientos, tensiones y alianzas de su relación.

El navío de los ingenuos (Teatro Helénico: 22 de noviembre, 20:00 horas • México). El Centro Universitario de Teatro y Naufrago Teatro presentan esta puesta desde donde emerge un antiguo navío habitado por seres casi extraños, que inician un viaje en búsqueda de una nueva ruta hacia tierras lejanas. Envueltos por las texturas del humor, serán arrastrados hacia territorios desconocidos, donde lo interno y lo externo se entremezclarán y las fronteras entre lo real y lo imaginario parecerán desdibujarse. Obra ganadora a mejor montaje y mejor escenografía en el Festival de Teatro Universitario de Rabat, en Marruecos 2023.

Gaia Gaudi (Teatro Helénico: 23 de noviembre, 20:00 horas l Centro Cultural de las Artes de Iztacalco: 21 de noviembre, 17:00 horas • Suiza). Esta es una pieza cómica, musical y danzante. Una oda a la vida que se inspira en el imaginario de la muerte fértil, la que carcajea, come, baila, canta y crea el vacío para que las generaciones de lo vivo transiten por este mundo: celebrando, llorando y, sobre todo, reconciliándose con los finales inevitables.

Del tingo al tango (Centro Cultural de las Artes de Iztacalco: 23 de noviembre, 17:00 horas • México). Es un espectáculo circense e itinerante que retoma la forma musical del ritmo vivo de la España del siglo XVII, interpretada por músicos ambulantes con un estilo propio; mezclando la música tradicional mexicana con el teatro físico, las artes circenses y el clown.

El convite de La Gran Pompa (Teatro Helénico: 24 de noviembre, 20:00 horas • México). Con este espectáculo, La Gran Pompa celebra su 18 aniversario y, al mismo tiempo, se acerca de una forma más pura al lenguaje del circo. Se trata de un espectáculo donde conviven los mejores actos de la compañía, junto con el repertorio de artistas invitados, para configurar un circo a la vieja usanza.

Este poluto mundo (Foro La Gruta: 25 de noviembre, 13:00 horas • México). Con Chucho Lavadero, esta pieza muestra a alguien que espera un tren en una solitaria estación. Este personaje, para matar el tiempo, hurga en su equipaje y de su maleta salen, más que objetos, memorias, ocurrencias, sueños y pesadillas.

The One & the one (Teatro Helénico: 25 de noviembre, 19:00 horas • Austria y Francia). Partiendo de la clásica pareja del “tonto” y del “inteligente”, Anna de Lirium y Colette Gomette logran trascender el humor del cine mudo y, como dignas herederas del teatro de Samuel Beckett, escenifican la estupidez humana, abordando temas de tolerancia y amistad, diversidad, solidaridad y sexualidad, sin jamás caer en la vulgaridad o el aleccionamiento.

Auch!!! (Teatro Helénico: 26 de noviembre, 13:00 horas l Casa Cuna Tlalpan: 25 de noviembre, 17:00 horas • México). Es un espectáculo unipersonal de Abraham Arzate, con una visión particular y cómica sobre la lucha libre —que incluye números originales y un humor fuera de serie—, en el cual el protagonista es atacado inesperadamente por un sinfín de objetos y, finalmente, es vencido por una niña del público.

Juana valiente (Clausura: Teatro Helénico, 26 de noviembre, 19:00 horas • Suiza). Con este proyecto escénico Gardi Hutter cuenta la historia de una lavandera que sueña con ser una heroína como Juana de Arco, pero en su afán de lucha por conseguirlo convierte a su lavandería en un grotesco campo de batalla. El trabajo de clown de Gardi Hutter es impecablemente conciso, en el cual se mezclan la sensibilidad y la brutalidad, así como la cruda realidad con ridículos fantasmas y sueños que llevan al público a su niñez. Un clásico de Hutter, que lleva más de 1,400 funciones por todo el mundo.

La oferta académica incluirá una presentación editorial y también se contará con dos talleres que tendrán un costo de $1,540 pesos, los cuales se llevarán a cabo en el Salón de ensayos del Centro Cultural Helénico. Las personas interesadas en estos podrán pagar su acceso únicamente en la taquilla, ubicada en avenida Revolución 1500, y posteriormente deberán enviar un correo electrónico a movilidad.helenico@cultura.gob.mx. Para agilizar la respuesta, es indispensable que en el asunto del correo se indique el nombre del taller.

El rito, impartido por Rodrigo Rivera (Tallarín), de Chile. Establecerá una práctica que se asemeje a un “rito”, derribando prejuicios y miedos para poder disfrutar del encuentro, ganar confianza y frescura a través del juego colectivo, así como crear conciencia del presente durante el trabajo expresivo. Se realizará del 20 al 23 de noviembre (lunes, miércoles y jueves, de 15 a 19 h).

El clown, ¡un personaje que te hace reír!, impartido por Hélène Gustin y Tanja Simma, de Francia y Austria. Este taller es para aquellas personas interesadas en el clown, que cuenten con estudios previos en teatro o circo, así como a personas dedicadas a la música o la danza. Su objetivo es acercar a las y los participantes a la esencia profunda de cada clown, ya que cada persona es única. Estará disponible del 23 al 24 de noviembre (jueves y viernes, de 9 a 12 h y de 13 a 15 h).

Presentación editorial: El clown existencial. Historia de una poética sobre la condición humana, de Carlos Gutiérrez Bravo. Con la participación de Jorge Caballero Vega como moderador, así como Aziz Gual, Gabriela Ynclán y el autor, se llevará a cabo la presentación de este libro que documenta la existencia de una familia de clowns que no encuentra en la risa su principal razón de ser, sino que se vale de la comicidad para elaborar un discurso estético-filosófico que explora las heridas propias y las ajenas desde la liminalidad. Martes 21 de noviembre, 13 h, Foro la Gruta.

Es así como este festival apuesta por la vida, la alegría y la reflexión, con lo cual le hace frente a la fragmentación, la tristeza y la violencia imperantes, al tiempo que se abren puentes que apuestan por la empatía y la paz; puentes que conectan con posibilidades de existencia que habitan en lo comunitario y, sobre todo, en la risa.

Para más información, se puede visitar las páginas: helenico.gob.mx y mexicoescultura.com.

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Con la puesta en escena Radio Piporro y los nietos de don Eulalio rememoran a Eulalio González

• Tendrá temporada del 24 de junio al 23 de julio en el Teatro El Galeón Abraham Oceransky del Centro Cultural del Bosque

Dos actores dicen ser los nietos del máximo icono norestense de cultura popular, el señor Eulalio González El Piporro. Estos fieles seguidores buscan adentrar a los espectadores en la vida alucinante de su “abuelo” a través de la frecuencia modulada de su programa: Radio Piporro y los nietos de don Eulalio.

La Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (Inbal), a través de la Coordinación Nacional de Teatro y la compañía regiomontana La Canavaty, presentan Radio Piporro y los nietos de don Eulalio, con dramaturgia y dirección de Víctor Hernández y las actuaciones de Roberto Cázares y el mismo Víctor Hernández. Su temporada comprende del 24 de junio al 23 de julio, los jueves y viernes a las 20:00 horas, sábados a las 19:00 y domingos a las 18:00 horas, en el Teatro El Galeón Abraham Oceransky del Centro Cultural del Bosque (CCB).

Este montaje es un proyecto teatral creado a partir de experiencias e ideas de los intérpretes que dieron como resultado relatos acerca de la vida de don Eulalio González. En este viaje se entreteje la ficción, el falso documental, destellos históricos de Nuevo León y la biografía de estos supuestos nietos de El Piporro.

Esta pieza aborda temas como la identidad cultural, el amor y la muerte como manera de olvido, así como la otredad, a partir de uno de los personajes más populares y queridos del norte del país. La puesta en escena es parte de una trilogía de obras denominada Asuntos familiares conformada por Pequeño fin del mundo en 2012, Fermín Horacio en 2014 y Radio Piporro y los nietos de don Eulalio en 2017.

Víctor Hernández, autor y director de este montaje, comentó: “Al hacerme preguntas sobre el contexto geográfico donde nací, me encontré con el único vestigio que me revelaría respuestas y me haría empatizar con mi abuelo: un disco de El Piporro.

“Ante la inexpresividad y el delirio de mi abuelo para relatarme sus anécdotas, y sin encontrar objetos significativos en sus pertenencias para redondear el relato, decidí resignificar su historia fusionando su vida con la de Eulalio González y, al mismo tiempo, con la mía. Con la fusión de esta primera, segunda y tercera persona construí un personaje idílico con el propósito de encontrarle un sentido al origen de mi existencia. En esta puesta en escena se tocan temas como la procedencia de nuestra locura a través de la crisis de identidad, el amor y la muerte como pulsión de olvido”, argumentó.

La Canavaty es una compañía creada en Santa Catarina, Nuevo León, en 2012. Sus trabajos se centran en la creación de dramaturgias que surgen a partir de la vida de los actores, entremezclándose con las ficciones que nacen de relatos de su entidad de origen.

El diseño sonoro es de Teresa Arias, el diseño gráfico está a cargo de Hiram Kat, la producción ejecutiva es de Santiago Martínez, mientras que la producción general es de La Canavaty.

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Crimen, pasión y boleros. La radionovela de México

 

El pasado fin de semana acudimos a la obra de teatro Crimen, pasión y boleros, la cual nos transporta al México de los años 50 a través de sus canciones, es una obra conmovedora pero al mismo tiempo con momentos divertidos y otros emocionantes.

La trama se desarrolla en una cabina de radio en la cual se realiza una radionovela; el público puede observar lo que los actores de dicha radionovela hacen para entretenerse mientras llega su turno de participar, también muestran los objetos para realizar los “efectos especiales” como el sonido de las pertas, de los pasos, de las sillas, etc. y no sólo eso, sino que además ellos mismos realizan los comerciales de las marcas que patrocinan su programa, así que podemos disfrutar de divertidas y pegajosas canciones que se usaban para anunciar diversos productos en la realidad en los años 50.

Sin duda es una obra para toda la familia, a los adultos mayores les hace recordar grandes épocas, a los adultos los transporta a su niñez y a los jóvenes los invita a conocer más acerca del hermoso género musical que es el bolero y del México de antes. Los actores tienen voces privilegiadas y el pianista toca de lo mejor.

Fue su última presentación en el teatro Varsovia, pero a partir de octubre estarán en Coyoacán, así que los invitamos a seguirles la pista y disfrutar de esta hermosa obra de Teatro Producciones.

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El hámster del presidente de Once Once Producciones llega al Teatro Helénico

• Adaptación de Saúl Enríquez sobre el cuento homónimo de Juan Villoro
• Del 2 de julio al 11 de septiembre en el Teatro Helénico

Una caótica y divertida aventura familiar

Once Once Producciones presenta El hámster del presidente, una adaptación hecha por Saúl Enríquez de uno de los cuentos infantiles más célebres de Juan Villoro. Se trata de una obra llena de baile, música, hámsteres e imaginación, donde se fomenta la importancia de la empatía y de levantar la voz para cambiar las cosas que no están bien.

Esta historia sucede en un país chiquito donde las personas aman los dulces y su presidente usa un abrigo muy largo con 117 bolsillos en los que guarda cosas extremadamente importantes. En el bolsillo cerca de su corazón vive Genaro III, un pequeño hámster que unas veces es adorable, otras caprichoso y gruñón. Genaro es el secretario particular del presidente, así como el encargado de ayudarlo a relajarse y tomar buenas decisiones. Cuando Genaro huye, el presidente cae en crisis; solo Ruy, un niño muy aplicado, y Romina, su astuta hermana menor, podrán ayudarlo a salvar los dulces del país.

El hámster del presidente tiene lugar en un país similar a México, pero donde los dulces son importantísimos. ¡Hasta la bandera tiene gomitas en vez de un águila y un nopal! En esta obra las niñas y los niños conocerán de una manera ágil, fresca y divertida el valor de levantar la voz y la oportunidad que tienen para transformar lo que no les gusta.

En palabras de Saúl Hernández, este montaje “es una analogía del poder político que tienen la familia, las niñas y los niños. Familia y política son dos palabras que normalmente no se tocan, pero es en la familia donde se construyen y fundamentan los ideales de un país. A través de una divertida metáfora que involucra a un hámster, una familia es capaz de convencer a un país de elegir mejor a sus políticos. ¿Sería nuestra familia capaz de tal hazaña?”.

El equipo creativo está integrado por el dramaturgo Saúl Enríquez; Paula Zelaya Cervantes en la dirección; Sergio Villegas en el diseño de escenografía; Matías Gorlero en el diseño de iluminación; Jerildy Bosch en el diseño de vestuario; Leonardo Soqui y Cristóbal Maryan en la composición musical; Ruth Hernández y David Ahedo en el diseño de utilería; Arantza Muñoz en el diseño de movimiento; David Ahedo como asesor creativo; Karla Báez como asistente de dirección; y David Molina como asistente de escenografía.

El hámster del presidente es la nueva obra para niñas y niños de Once Once Producciones, los creadores de puestas en escena multipremiadas como Corazón Gordito, Emilia y su globo rojo, Sasha y Spot y Le Journal. Reiteramos que este montaje se presentará del 2 de julio al 11 septiembre, los sábados y domingos a las 13:00 horas en el Teatro Helénico. El costo del boleto es de $185. Actualmente hay una preventa del 30% de descuento, válida hasta el 30 de junio. Las entradas pueden adquirirse en la taquilla del Centro Cultural Helénico, ubicado en Av. Revolución 1500, o en la página: helenico.gob.mx.

Se exhorta al público a asistir con las medidas de sanidad necesarias para prevenir contagios del COVID-19, por lo que es obligatorio el uso de cubrebocas, la aplicación continua de gel desinfectante y atender las instrucciones del personal de seguridad. En caso de presentar algún síntoma (dolor de cabeza, garganta o temperatura superior a 37.5 grados), es preferible quedarse en casa.

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Inauguración CEUNAC

 

INAUGURACIÓN CEUNAC

• Se abre nueva escuela de actuación de alta calidad en la Ciudad de México. 

• Formación de actrices y actores profesionales autogestivos y comprometidos. 

• Primer Ciclo de #TalleresCEUNAC con 18 talleres de diversas temáticas.

• Inicia el lunes 22 de agosto 

• La ubicación será dentro de las instalaciones del Centro Universitario Cultural. 

El Centro Universitario de Actuación (CEUNAC) es un espacio incluyente dedicado a la enseñanza de alta calidad para la formación profesional de actrices y actores; reunidos en torno a la generación de una comunidad para quienes el aprendizaje sistemático, la reflexión consciente, la convivencia respetuosa, la comunicación asertiva y el amor por lo humano, sean sus ejes principales.

Este nuevo centro de formación actoral está constituido por una Junta Directiva (Guadalupe Damián, Karina Jiménez Krap y Juan Carlos Vives), un Consejo Asesor (Marcela Aguilar, José Caballero y Luisa Huertas) y un destacado grupo de docentes de amplia y reconocida trayectoria, tanto en las aulas como sobre el escenario. Busca transmitir la entrega y la pasión que se requiere para un bienaventurado camino por esta carrera. Se quiere moldear seres humanos para convertirlos en artistas creativos.

Inician actividades académicas con un 1º Ciclo de Talleres 2022, los cuáles abarcan áreas tanto de iniciación como de profesionalización. Los talleristas son Jorge Ávalos, Rosaura Bichir Pascual, Marisa de León, Mariana Giménez, Diana Lein, Carmen Mastache, Constantino Morán, Yolanda Navarrete, Silvia Peláez, Alberto Rosas, Gustavo Sánchez Parra, Mayra Sérbulo, Ricardo White, la propia Junta Directiva y José Caballero. La nutrida oferta contempla talleres tanto presenciales como virtuales, atendiendo a todo tipo de inquietudes y desafíos.

CEUNAC está bajo el cobijo del Centro Universitario Cultural, espacio emblemático dedicado a promover y difundir actividades artísticas y culturales, ahora bajo la dirección general de Fray Gonzalo Ituarte Verduzco, y Claudia Hernández Cuevas. A cargo de la dirección de asuntos culturales. El CUC está ubicado en la calle Odontología 35, Copilco Universidad, Coyoacán de la Ciudad de México; que precisamente en 2022 está cumpliendo 60 años de vida.

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ENTREVISTA. La Improlucha: 2 a 3 improvisaciones sin límite de tiempo

• 3 espectáculos en uno: música, lucha libre e improvisación donde se unen en un lenguaje único para ofrecer al público una experiencia teatral auténtica

• 16 años la puesta en escena de La Improlucha

• La Improlucha acerca a las personas que nunca han tenido contacto con la lucha libre

El Foro Shakespeare se pone la máscara, la cabellera, con el grito de 2 a 3 caídas sin límite de tiempo, entre rudos, técnicos y exóticos La Improlucha es una puesta en escena que te lleva al cuadrilátero para sacar tus mejores llaves bien improvisadas y no escatimar en que la lucha libre no se pegan. Para ello tuvimos la oportunidad de charlar con José Luis Saldaña, Director de la puesta y esto fue lo que nos compartió para entrepalabrasMX

entrepalabrasMX: ¿Cómo nace la idea de La Improlucha?

José Luis: Es un espectáculo que nace en España, durante un encuentro en Madrid dimos con una puesta en escena llamada Cats, este formato no es otra cosa que combates de improvisación, a partir de duplas de improvisadores o improvisadoras, que tienen una mística, un concepto particular y luchan improvisando historias, retos, juegos de improvisación.

Entonces, lo vimos, lo jugamos, nos invitaron a jugarlo, nos encantó y esto fue en el año 2005; regresando a la Ciudad de México nos voló la cabeza el formato, nos gustó mucho el formato, tenemos que hacerlo, pero, a la mexicana, digamos que lo tropicalizamos.

entrepalabrasMX: ¿Por qué el tema de la lucha libre?

Jose Luis: Lo que hicimos fue valernos de esta tradición “luchística” que hay en México (y en otros países), pero sobre todo en México hay una cultura de la lucha libre muy grande desde hace mucho tiempo.

Decidimos esos combates que eran de equis personaje por ejemplo los vaqueros galácticos (lo que se te ocurra), y el fin era hacerlo dentro del contexto de la lucha libre mexicana, de tal manera que hubiera bandos: técnicos, rudos y exóticos; así, en lugar de tener un escenario común, convencional de un teatro, dijimos: ¿por qué no lo hacemos sobre un ring de lucha libre, en lugar de tener un dj como lo sugiere el formato original, pues mejor que tengamos una banda de enmascarados?, así obtuvimos una mezcla de 3 diferentes lenguajes escénicos como son: el teatro de improvisación, la lucha libre y la música en vivo, que dan ese toque original de lo que ofrece La Improlucha.

entrepalabrasMX: ¿Cómo terminaron por conectar el guion con las llaves y malabares de la lucha libre?

José Luis: Fueron dos factores: uno al momento de decidir que nuestro escenario fuera un ring, ahí dijimos que sería buenísimo que más allá de ser solamente un espacio que contenga el espectáculo, pues fue el usarlo para lo que realmente estaba destinado, para luchar. Y, por otro lado, como compañía ya habíamos tenido otras experiencias mezclando algunos lenguajes, algunas disciplinas dancísticas que tienen que ver con la improvisación, algunas otras veces mezclamos lenguaje clown, así que, bueno, ya con esta experiencia sabíamos hacia donde queríamos dirigir La Improlucha.

La lucha libre se respeta, es un deporte donde se tiene una disciplina muy formada, muy de resistencia, implica tener agallas, acondicionar el cuerpo para que al momento de estar en escena, todo el cuerpo de la producción tuviera la preparación ideal y entendiera a la perfección el lenguaje de las llaves y acrobacias que dan las 2 de 3 caídas sin límite de tiempo.

entrepalabrasMX: ¿Cómo es la interacción con el público?

José Luis: El público tiene una participación muy activa dentro del espectáculo, me atrevo a decir que La Improlucha es un espectáculo interactivo, porque el público está todo el tiempo dando los motores para hacer las improvisaciones, gritando, mentando madres y también el público vota para decidir quién es el que gana la caída en cuestión, o sea el juego de improvisación, y hacemos varias caídas. Entonces digamos que a propósito vamos provocando a los que perdieron, para que en algún momento cuando las palabras se acaban entren las hurracarranas, las llaves y el show se pone al 100 por ciento, y es ahí donde se rompe la dinámica, digamos “teatral”, y todos terminamos luchando cual hijo del santo.

entrepalabrasMX: El luchador El Mimo es parte de su producción en La Improlucha ¿Cómo llegó a ustedes?

José Luis: De entrada, siempre hemos partido de que nuestras posibilidades físicas son limitadas, puesto que no nos dedicamos a la lucha libre ni amateur y menos profesional, dentro de nuestro cuerpo de actores y actrices todos son egresados de escuelas de actuación y teatro, y pues con el enfoque de la puesta, nos dimos a la tarea de buscar quién nos entrenara.

Si bien no cualquier luchador puede hacer este trabajo desde la consciencia y el cuidado, sabemos que su entrenamiento va directo a los golpes, sin mediar o explicar que existen zonas donde se puede pegar sin lastimar hasta cierto punto; dentro de la búsqueda dimos con El Mimo, quien aparte de luchar también es actor, entonces pues sabía bien hacia dónde iba todo esto, ya que nos entendía a la perfección lo que estábamos buscando para La Improlucha.

La Improlucha es un homenaje a nuestra lucha libre que sin lugar a dudas es la mejor del mundo por muchos aspectos, el hecho de tener bandos y pensar que los rudos representan al mal, los técnicos al bien… sabemos que es una lucha de fuerza, de darle un respeto a este gran deporte, al grado que hemos tenido la oportunidad para bien de acercar a luchadores profesionales a nuestro espectáculo, del cual se quedan con un buen sabor de llaves, cuando los volvemos ver ahí sabemos que nuestro trabajo lo estamos haciendo bien y buscamos siempre dejar todo en el ring.

Para esta temporada -La Improlucha- tiene un convenio con El Consejo Mundial de Lucha Libre para que asistan luchadores amateurs y profesionales, y constaten que nuestra puesta en escena cuida a detalle lo que representa la lucha libre mexicana y que se lleva a cabo con todo respeto, sin burla, sin generar otras ideas que no sean mascara, cabellera, llaves y contrallaves con todo el respeto del mundo.

Con música de Los Sin Cara, con el público a todo lo que da, con los dotes de improvisación que todos tenemos y de paso a pregunta expresa a José Luis, director de La Improlucha en cuál bando estaría, nos dijo que en el de los exóticos bajo el nombre de “improvisator 2000” y así los invita a que no dejen pasar el cierre de temporada de La Improlucha.

Foro Shakespeare

Zamora No. 7 Col. Condesa.

Hasta el 18 de Agosto de 202

#laimprolucha2022

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"Yo también me llamo Hokusai" estrenará el 9 de junio

• Yo también me llamo Hokusai(1)
• Dramaturgia José Emilio Hernández (2)
• Dirección Laura Margarita

Sinceramente podría no escribir una obra sobre Hokusai,

podría escribir sobre cualquier otra cosa, pero

sé que en el fondo de mi alma oscura y

retorcida necesito escribir sobre esto.

María decide irse de México para salvar el mundo. Un escritor joven sin nombre, sin talento y sin oficio no quiere dejar ir al amor de su vida. No sabe cómo retenerla por lo que utiliza la escritura como estrategia ¿de qué manera? Obsesionándose con el grabador más importante del periodo Edo japonés, aunque sin saber qué chingados es eso. Al final su obra, que es esta obra, nunca termina de escribirse.

Haciendo uso de la metaficción y empleando un narrador desmembrado, el dramaturgo José Emilio Hernández nos introduce en el proceso creativo de la escritura misma. A lo largo de la puesta en escena veremos un enmarañado de recuerdos, frustraciones y ocurrencias, que el joven escritor sin nombre y sin talento, va desplegando para lidiar con la partida de María.

Desde la actuación se pretende trabajar el problema de la identidad, planteado en la dramaturgia. El personaje principal no tiene nombre, su cuerpo habla por él y busca a María, quien a su vez protagoniza la obra que él escribe. Ella misma busca entender quién es y dónde puede ser realmente feliz.

La dirección, a cargo de Laura Margarita creadora escénica chilena, busca plantear el problema de la identidad, la memoria como archivo sensible y el montaje escénico como un mecano. Esta última línea de investigación se buscó materializar en el diseño; el montaje cuenta con una escenografía y un vestuario que funcionen como piezas que se ensamblen en escena, evitando disimular las maniobras de los actores para construir la pieza final. Esta misma idea se trabajará desde la iluminación en dónde una planta general será apoyada por la luz que provenga desde dentro del espacio escénico gestionada también por el elenco.

El elenco está conformado por Emiliano Cassigoli, Fernanda Bada, Constanza Villanueva y Olinmenkin Sosa Nájera. El equipo creativo también incluye a Pablo Galán en el diseño de vestuario, Fernanda García y Sergio López Vigueras a cargo del diseño de iluminación y la escenografía fue diseñada por Ana Galán. Joaquín Martínez Terrón y Emiliano López Reyes realizaron la composición musical. El afiche oficial es diseño de Juan Palomino. En asistencia de dirección está Aranza Sánchez y al frente de la producción está Ana Galán. Yo también me llamo Hokusai es una producción de la Vincent Company y el montaje es acreedor del apoyo Fomento A Proyectos Y Coinversiones Culturales Convocatoria 2021

El boleto general tiene un precio de $300 MXN, aplican descuentos. Además de taquilla, puede adquirirse en la plataforma de boletopolis.

Yo también me llamo Hokusai se presentará de jueves a domingo, en el Foro el Milagrito en Teatro el Milagro. La temporada gozará de 12 funciones del 9 al 26 de junio.

Calle Milán 24, Juárez, Cuauhtémoc, 06600, CDMX

jue. 20 h. | vier. 20 h. | sáb. 19 h. | dom. 18 h.

Sitio Web: https://www.vincentcompanyparafracasados.com/

Redes sociales:

Facebook: @vincentcompanyparafracasados

Instagram: @Comapany_vincent

Twitter: @LaVincentCompa

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(1) Finalista del Premio Nacional de Dramaturgia Joven Gerardo Mancebo del Castillo 2020 

(2) Ganador del Premio Nacional de Dramaturgia Joven Gerardo Mancebo del Castillo 2021 con su obra “Las visiones”

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‘El amor se ríe de mi’ arrancó temporada

La productora teatral ‘Primera Llamada’ de Daniel Salinas, presentó el segundo estreno teatral de este año con la comedia protagonizada por Rouse Calderón, Monserrat Alvarez, Krisna Dasi y Yafté Arias.

Con el aplauso del público que llenó en su totalidad el Centro Cultural de la Diversidad, ‘El amor se ríe de mi’ inició su temporada, sumándose a la oferta de primera Llamada en dicho foro. Con esta puesta en escena, lo compañía continúa renovando su cartelera de teatro, esperando lograr seis estreno al final del 2022.

“Es un enorme placer ver que abril permitió a la industria del teatro, volver a reactivarse de esta manera. En la Ciudad de México contamos con más de 50 ofertas teatrales; y nosotros a través de la productora Primera Llamada con el estreno de ‘El amor se ríe de mi’, queremos que la gente se divierta y se vaya a casa con una reflexión sobre los miedos que todos enfrentamos, y que nos impiden sentir”, comentó Daniel Salinas, director y escritor de Primera Llamada.

Cabe resaltar que ’El amor se ríe de mi’, se estará presentando en el Centro Cultural de la Diversidad, ubicado en Colima 267 Col. Roma, todos los fines de semana. Para consultar la cartelera de obras, puede ser a través de las redes sociales: @Primerallamadaa

Sinopsis:

Daniela, Bianca y Rita son tres mujeres que enfrentaron una decepción amorosa que marcó su vida y las obligó a ver las relaciones desde otra perspectiva. Las tres tendrán que luchar contra sí mismas, contras sus prejuicios y contra todas las barreras que se han impuesto para así poder estar listas y darle una nueva oportunidad al amor. Una situación muy particular hará que cada una se vea obligada a decidir y ser claras sobre lo que realmente quieren hacer con su vida y con la forma en la que se relacionan.

Una comedia para reír y reflexionar sobre los miedos que tenemos para no arriesgarnos a sentir. ¿Realmente podemos dejar de tener miedo a enamorarnos?

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Caperucita ¡Qué onda con tu abuelita! El musical inicia ensayos en escenario

• Festejan el cumpleaños de su director Carlos Ignacio
• Mary Paz Banquells y Sergio Saldívar inician el proceso de ensayo
• La obra se estrenará el próximo 8 de mayo en el Nuevo Teatro ‘Silvia Pinal’

Después de haber concluido lecturas y ensayos en salón del que será el espectáculo teatral Caperucita ¡Qué onda con tu abuelita! El musical, el cual marca el regreso a los escenarios de la Máxima Diva del Espectáculo mexicano, Silvia Pinal, este lunes 12 de abril dio inicio el montaje del mismo sobre el escenario del Nuevo Teatro homónimo de la actriz, antes llamado ‘Diego Rivera’, en la colonia Juárez de la ciudad de México.

En el lugar se dieron cita desde muy temprano el cuadro de jóvenes bailarines y cantantes, además de actores como Mary Paz Banquells y Sergio Saldívar quienes, emocionados, siguieron las instrucciones del director, primer actor y adaptador de la historia Carlos Ignacio quien, por cierto, festejó su cumpleaños en compañía del elenco y un par de pasteles.

En el ensayo también estuvo presente el creador, productor e intérprete de este espectáculo, Iván Cochegrus, quien en todo momento cuidó y revisó todos los detalles que harán de este montaje el evento teatral del año; todo un homenaje en vida a la vasta trayectoria de Silvia Pinal en el teatro, el cine y la televisión.

Caperucita ¡Qué onda con tu abuelita! El musical, ofrecerá funciones todos los domingos, a partir del 8 de mayo, a las 13:00 y 17:00 horas; en el Nuevo Teatro ‘Silvia Pinal’, ubicado en la calle de Versalles 27, en la colonia Juárez de esta capital.

Además de Mary Paz Banquells, Sergio Saldívar, Iván Cochegrus y Carlos Ignacio, el elenco que acompañará a Silvia Pinal en esta aventura teatral, está conformado por las primeras actrices Norma Lazareno y María Rebeca Alonso; así como Rebeca Algarín, Christian Salazar y un sorprendente cuadro de actores y bailarines.

Cabe mencionar que esta versión del clásico cuento de hadas se basa en la cinta La caperucita roja, llevada al cine mexicano por Roberto Rodríguez en 1960, protagonizada por María Gracia, Manuel Loco Valdés, Santanón y Prudencia Grifell, entre otros; la cual también fue adaptada por Carlos Ignacio.

La dirección musical, el coaching vocal y los arreglos musicales de la obra corren a cargo de Alfredo Algarín. El vestuario es una creación de Gina Sánchez. Además, las sorprendentes acrobacias y coreografías fueron concebidas por Guillermo Tellez, una importante figura del teatro musical mexicano.

El costo de las localidades para disfrutar Caperucita ¡Qué onda con tu abuelita! El musical, será muy accesible, con la finalidad de que una mayor cantidad de gente vea en escena a Silvia Pinal, quien continúa ensayando en su domicilio particular, esperando incorporarse al teatro en breve.

El sistema de venta de boletos para el espectáculo es a través de Ticketmaster. La zona VIP tiene un costo de $800.00; mientras que la zona Preferente Oro cuesta $600.00; y la Preferente plata $400.00.

La venta en taquilla en el Nuevo Teatro ‘Silvia Pinal’ (antes ‘Diego Rivera’) iniciará el lunes 2 de mayo, con un horario de 11:00 a 18:00 horas.

Es importante mencionar que, como un regalo a los niños de México, hay una preventa de boletos desde el 6 hasta el 30 de abril, ofreciendo un 30 por ciento de descuento.

CAPERUCITA ¡QUÉ ONDA CON TU ABUELITA! EL MUSICAL, se presentará a partir del 8 de mayo en el Nuevo Teatro ‘Silvia Pinal’ (antes ‘Diego Rivera’), ubicado en: Versalles 27, Col. Juárez C. P. 06600; Alcaldía Cuauhtémoc, CDMX; los domingos a las 13:00 y 17:00 horas. Localidades: VIP $800.00; Preferente Oro: $600.00; Preferente Plata: $400.00. Descuentos: Preventa del 6 al 30 de abril, ofreciendo un 30 por ciento de descuento. Sistema de ventas: Ticketmaster. Inicio de venta en taquilla del teatro a partir del lunes 2 de mayo de 11:00 a 18:00 horas.

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El Ballet de la CDMX presenta La Cenicienta en el Auditorio Nacional

• El Ballet de la Ciudad de México presenta el espectáculo de danza “Báilame un cuento: La Cenicienta” con Orquesta en Vivo en el Auditorio Nacional, Sábado 30 de abril 17:30 horas
• Ballet en 1 acto, 108 artistas en escena, 3 cambios de escenografía y 42 cambios de vestuario
• LAS HADAS MADRINAS SI EXISTEN. SON NUESTRA PROPIA VOZ INTERIOR, NUESTRA CONCIENCIA, NUESTRA VOLUNTAD. SOLAMENTE HAY QUE ESCUCHARLAS…

Llegó la hora de celebrar a nuestras niñas y niños este 30 de abril del 2022 en el Auditorio Nacional con La Cenicienta, un cuento clásico que, acompañado por la maravillosa partitura de Prokofiev interpretada por la Orquesta de las Américas y contado a través de la danza por el Ballet de la Cuidad de México, promete ser una experiencia inolvidable, brindándole al pequeño espectador y al público familiar, la oportunidad de vivir la magia que solo el escenario puede crear.

El Ballet de la Ciudad de México bajo la Dirección Artística de Isabel Ávalos, acompañada por la maestra Karen García repondrán Báilame un cuento: La Cenicienta, ballet en un acto; el primero de una serie de cuentos bailados, producido por Arcelia de la Peña dirigido al público infantil, con la intención de acercar a los niños a las artes escénicas, de una manera dinámica, divertida y participativa. Sara Salomón como diseñadora de vestuario; Miguel Garabenta como realizador del vestuario; Emilio Zurita como diseñador de la escenografía; Leo Otero y Samuel Cueto como realizadores de la utilería, Matias Gorlero como diseñador de iluminación y Daniel Primo creador de la mágia en video, harán que sea un espectáculo llena de sorpresas.

“(…) Porque los cuentos también se bailan”, comenta Arcelia de la Peña, productora de este espectáculo, a las niñas y niños, como también a los adultos, invita a descubrir otras maneras de contar historias y, en este caso, descubrir una Cenicienta que lucha por sus sueños y que con astucia, bondad, iniciativa y creatividad, se convertirá en la arquitecta de su propio destino. Ayudada por la magia del Hada, quien finalmente no es más que su propio reflejo: su voluntad.

Haber creado y producido un nuevo ballet para niños nos brinda la oportunidad de presentarlo ante un público nuevo, con orquesta en vivo y remozado. Nos da la oportunidad de ofrecerlo como un regalo para muchos niños y niñas de la Ciudad de México y de ofrecer un espacio para la convivencia familiar en torno al arte.” comenta la maestra De La Peña.

Inspirada en los mejores momentos de las versiones coreográficas de Zakharov, Ashton y Jean-Christopher Maillot y con una selección musical hecha por Isabel Ávalos, se realizó una nueva adaptación del libreto y la Maestra Ávalos incursiona en una creación coreográfica original. Buscamos contar éste tradicional cuento, en 1 acto, de manera ligera, divertida y mágica.

Hemos seleccionado a los bailarines que interpretarán a los personajes principales por su experiencia y excelente desempeño. En el caso del Personaje del Príncipe, invitaremos a Alexander Mitiaev, un joven y apuesto bailarín, miembro de la Compañía Nacional de Danza, que será nuestro bailarín invitado. Cenicienta será interpretada por otra bailarina invitada del Ballet del Estado de México, Angeline de Jesús Montes.

Elenco: CENICIENTA- ANGELINE DE JESÚS MONTES / PRÍNCIPE- ALEXANDER MITIAEV/ MADRASTRA- ALEXANDER LEAL / GRISELDA- CHRISTIAN BARRERA / ANASTASIA- RODRIGO FUENTES / HADA MADRINA-NAOMI TORRES BÁRCENAS

Será la Orquesta de las Américas la encargada de producir toda esta magia y sinergia con el Ballet. Su director Roberto Kolb, se encarga de reclutar a los mejores intérpretes ejecutantes de cada instrumento, conformando así una orquesta hecha a la medida del repertorio que se interpretará. En esta ocasión la orquesta estará dirigida por el Maestro José Luis Castillo uno de los directores y compositores más destacados y activos en el panorama musical actual, que ha probado su versatilidad con una experiencia de muchos años

En abril de 2019, cuando el Ballet Pedro y el Lobo cumplía 25 años de su creación, buscamos celebrar el aniversario con una magna función del Día del Niño. La experiencia fue fascinante. Se reunieron cerca de 7,000 espectadores, niños, padres, hermanos y abuelos, para festejar de una manera diferente a los niños en su día. Con una orquesta en vivo, un escenario bellísimo y muchas ganas de disfrutar, aprender y participar. funciones, y resultando ser un gran éxito.

Estamos convencidos que El Ballet La Cenicienta también será un éxito por su música jubilosa, sus paisajes exuberantes, y por los papeles cómicos de la madrastra y las dos hermanastras de Cenicienta (que tradicionalmente han sido interpretadas en travesti), más locas que malas en este tratamiento.

¡Llego la hora de festejar a nuestras Niñas y Niños, que empiece la función!

Báilame un cuento: La Cenicienta, es posible gracias al apoyo de la empresa PEÑAFIEL a través del Estimulo Fiscal para las Artes (EFIARTES) 2018. Boletos en taquilla del Auditorio Nacional y en el sistema de Ticketmaster.

SÁBADO 30 DE ABRIL 17:30 HORAS

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Q.E.P.D…hasta que la muerte nos una

• AB-Producciones se caracteriza por montar comedias de humor negro
• Un espejo del clasismo en Q.E.P.D…

Después de sus llenos totales regresa a la escena Q.E.P.D…hasta que la muerte nos una ahora con una breve temporada en el Círculo teatral a partir del 2 marzo los miércoles.

Q.E.P.D…hasta que la muerte nos una es un melodrama con tintes de humor negro. Una obra que habla, ante todo, de la decadencia de las relaciones humanas retratándolas mediante las relaciones familiares. La obra se desarrolla en el funeral de una madre recién fallecida donde la sátira y absurdez de los personajes juegan en la escena para burlarse de las situaciones ocurridas dentro de un seno familiar y así, utiliza la conciencia para provocar la risa en el público.

La obra nos cuenta la historia de tres hermanos que tras el fallecimiento de su madre se reúnen para decidir si la entierran o la creman, elección que no fue aclarada por la recién fallecida. Es entonces cuando se destapa una cloaca llena de secretos, intereses y verdades, llevando hasta la última consecuencia la ambición sin importar el duelo que acongoja al resto de la familia.

Q.E.P.D…hasta que la muerte nos una es una obra escrita y dirigida por el veracruzano Alan Blasco, donde impregna de humor negro las situaciones crueles y violentas como lo es el odio familiar, visibiliza lo que sucede detrás de un retrato familiar aparentemente lleno de amor y paz.

Comenta Alan Blasco, autor y director “… regreso a mi búsqueda de inicio, a mis obsesiones como autor que es la fuerte crítica al clasismo mexicano, a la hipocresía en las altas esferas y sobre todo la reflexión sobre nuestro concepto de familia… todo esto, claro, con un toque de humor, de farsa y de melodrama…”

La puesta en escena está protagonizada por Ana Corti, Rafael Balderas, Patricia Bermúdez, Mario De León, Marisela García y Producida por AB Producciones.

“Q.E.P.D…hasta que la muerte nos una” tendrá su temporada del 2 al 30 de marzo del 2022 con dando 5 funciones, los miércoles a las 20:30 horas en EL CÍRCULO TEATRAL (Calle Veracruz, 107, Condesa.) El costo del boleto general es de $300, los accesos se adquieren en boletopolis.com o directamente en taquilla.

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