Possessing Nature de Tania Candiani y Luis Felipe Ortega representará a México en la 56ª Bienal de Venecia

• Con la curaduría de Karla Jasso, se presentará del 9 de mayo al 22 de noviembre de 2015 en la Sala de Armas de El Arsenal

Possessing Nature de los artistas Tania Candiani y Luis Felipe Ortega, con la curaduría de Karla Jasso, es el proyecto que representará a México en la 56ª edición de la Bienal de Venecia.

La exhibición se realizará del 9 de mayo al 22 de noviembre de 2015 en la nueva sede del Pabellón de México: la Sala de Armas del ex complejo militar de El Arsenal.

El proyecto fue seleccionado a partir de una convocatoria por invitación a 11 curadores de amplia trayectoria y de diversas tendencias del arte contemporáneo, de quienes recibieron siete propuestas para su evaluación.

De entre los siete proyectos presentados, que fueron valorados por el jurado de selección, se eligió el de la curadora Karla Jasso, titulado Possessing Nature, por la consistencia conceptual, la resolución plástica/técnica y la contundencia estética de la obra propuesta por los artistas Tania Candiani y Luis Felipe Ortega.

El Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) agradece y reconoce a todos los participantes convocados, así como la calidad de cada uno de sus proyectos.

El jurado estuvo integrado por Graciela de la Torre, directora de Artes Visuales de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM); Aimée Labarrere, directora del Patronato de Arte Contemporáneo; Néstor García Canclini, profesor investigador de la Universidad Autónoma Metropolitana e investigador emérito del Sistema Nacional de Investigadores; Ariel Guzik, artista visual, y María Cristina García Cepeda, directora general del INBA, quienes analizaron el mérito de los proyectos postulantes para elegir el que representará a México.

Una vez emitido el fallo por del jurado, la titular del INBA comunicó  vía telefónica la decisión a los ganadores.

Possessing Nature presenta una sola pieza firmada por ambos artistas. Es un trabajo de “intensa reflexión sobre el placer, la economía, la soberanía colonial y la memoria social; atañe a los discursos del arte contemporáneo”.

En ese sentido, la curadora explica: “México y Venecia comparten, y a la vez, se distinguen desde su propia condición. Ambas son ciudades anfibias. Una abraza el mar, si sposa con il mare, mientras que a la otra, bajo la impronta de la soberanía colonial, se le secan o desaguan sus lagos. Sea una u otra, el entramado urbano de ambas está definido a partir de la posibilidad de cohabitar con relación a puntos de enclave geográfico-acuáticos”.

El concepto  curatorial partió de una idea puntual: trazar un traghetto que posibilitara un recorrido por aquellos lugares que han “hospedado” al Pabellón de México a partir del siglo XXI.

El resultado del ejercicio fue una traza (traza-memoria, memoria-acuática) que alude a la historia de la arquitectura, la infraestructura y su relación con los “poderes” que han caracterizado al imperio de Occidente desde sus orígenes.

El emplazamiento de los proyectos que han representado a México comenzó  en el Palazzo Soranzo Van Axel, para continuar en el Palazzo Rota Ivancich, de ahí a la Iglesia de San Lorenzo y, finalmente, desde la presente edición, en la Sala de Armas al interior de El Arsenal, sede fija del Pabellón de México hasta 2024.

“El nivel de registro que señala es el enclave de la representación del país con relación a los espacios arquitectónicos que operan como locus, y que históricamente articularon el pasaje del sistema de libertad natural –el Estado mínimo– a los esbozos del gobierno, pero sobre todo al ordenamiento ‘justo’ de la sociedad, paradójicamente sustentado  en el comercio global y sus colonias”.

Karla Jasso (Morelia, Michoacán, 1976) es maestra en estudios de arte por la Universidad Iberoamericana y doctora en historia del arte por la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM. Se ha desempeñado como profesora de arte contemporáneo y teoría crítica en la Universidad Iberoamericana (2004-2008) y curadora en jefe del Laboratorio Arte Alameda del INBA (2007-2013). Fue becaria de la Fundación Getty en investigación, en el programa Archives de l’Art du XX siècle del Institut National d’Histoire de l’Art, en París, Francia.

Es autora de los libros Arte y feminismo: Nuevas figuraciones simbólicas y Arte, tecnología, arqueología, dialéctica y mediación. Entre sus temas de investigación se encuentra la arqueología de los medios, el imaginario tecnológico y la globalización en América Latina, y el concepto de mediación como categoría histórica.

Tania Candiani (Ciudad de México, 1975) ha explorado, durante más de 15 años de quehacer artístico, diversas líneas artísticas en torno a los fenómenos sociales que vinculan la estética y el lenguaje. Su trabajo se enfoca a la investigación de la sonoridad. Su indudable aportación al discurso del arte contemporáneo se concreta mediante estrategias de traducción entre diversos sistemas –lingüísticos, visuales, sonoros–, así como prácticas que analizan el significado de los artefactos y las invenciones. En esta búsqueda constante, ha articulado grupos de trabajo interdisciplinario que aportan conocimientos y experiencias desde diversas áreas de conocimiento para incidir de manera notable una apuesta crítica y estética ante la relación entre arte, tecnología y lenguaje.

Entre sus exhibiciones individuales recientes se encuentran Telar, Nova, Art Basel Miami; Cinco variaciones de circunstancias fónicas y una pausa (producida por el Laboratorio Arte Alameda del INBA), KIBLA Festival, Eslovenia; Atlas for New Port, LAZNIA II, Gdansk, Polonia;Interpretaciones sobre Cherner, Oaxaca; Sound of Alchemy, Glenfiddich Gallery, Escocia;Serendipia, Artium, Centro Museo Vasco de Arte Contemporáneo, Vitoria-Gasteiz, España;Refranes, Mission Cultural Center for Latino Arts, San Francisco, Estados Unidos, y Tania Candiani: From Floor Plans to Confection Patterns: Apartment Houses in New York City, 1900-1914, Upper Main Gallery, Abrons Art Centre, Nueva York, Estados Unidos.

Ha sido distinguida con reconocimientos y apoyos como el Prix Ars Electronica, Award of Distinction, Hybrid Arts, Linz, Austria (2013); Production Residency, Artium, España (2013); Guggenheim Fellowship, Creative Fields, Latin America & Caribbean Fellows (2011-2012); la mención especial del jurado en la XI Bienal de El Cairo, y el primer lugar de la Textile 07 Biennial, en Kaunas, Lituania (2007). Desde 2012 forma parte del Sistema Nacional de Creadores de Arte del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (Fonca).

Por su parte, desde 1993, con su participación en el grupo Temístocles 44, Luis Felipe Ortega (Ciudad de México 1966) ha desarrollado una importante carrera artística, la cual ha atravesado  por momentos de complejidad y de síntesis.

Aproximarse a su trabajo implica formular ciertas preguntas en torno a la obra realizada en el ríspido contexto cultural y social de los años noventa en México y, al mismo tiempo, a la transición a un tipo de expresión artística de  carácter más formal y meditativo. Su investigación estética, sesgada por cuestionamientos de carácter escultórico, temporal y espacial,  ha transitado desde el performance, la acción y el video hacia los horizontes, la geometría y los límites que se delinean en el espacio.

Una de sus principales aportaciones al discurso contemporáneo del arte es aquella que él define como un replanteamiento del sentido, la potencia del propio concepto de escultura y la inversión de los horizontes: “tensar el espacio” para mostrar, a su vez, su fragilidad y resistencia.

Entre sus exposiciones individuales sobresalen Some Things Last a Long Time, Galería Desiré Saint Phalle, Ciudad de México; Así es así, ahora es ahora, Laboratorio Arte Alameda; Horizonte invertido, El Clauselito, Museo de la Ciudad de México; Before the Horizon, Maison d’Art Actuel des Chartreux, Bruselas, Bélgica; Ocupación, Sala de Arte Público Siqueiros del INBA; Something Happens, Nothing, International Studio and Curatorial Program, Nueva York. También es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del Fonca.